Vanitas Libellum in Hong Kong for Boundless Multimedia Series

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http://www.lcsd.gov.hk/CE/CulturalService/Programme/en/multi_arts/group_80.html

 

Boundless Multimedia Series to show three distinctive productions

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Presented by the Leisure and Cultural Services Department, the Boundless Multimedia Series 2015 will stage three distinctive productions in September and October.

“Missing” by Gecko from the UK is an exploration of the depths of the human psyche. The storyline follows a woman who is suffering from an identity crisis with her soul in decay. Presented with fragmented scenes which interweave between reality and memories, it features a combination of projections, puppets, atmospheric lighting, movable viewfinders and physical dance, fully demonstrating the powerful body expressions and tensions of the performers. The company has taken its productions to more than 20 countries, including Russia, Poland and China. The programme will be staged at 8pm on September 11 and 12 (Friday and Saturday) as well as at 3pm on September 13 (Sunday) at the Theatre of Sheung Wan Civic Centre. Ticket prices are $220 and $280. This performance contains some coarse language.

“Fish in the Hand” is a collaboration by local artists with Lee Chun-chow and Kung Chi-shing as co-directors, Alain Chiu as composer and YanYu as playwright. Chamber orchestra, theatre and dance come together in this multimedia theatre production, which also features challenging interpretation of Cantonese operatic singing. The story confronts the humiliation of William the veterinarian – the darkest spot in his mind and something that he never admits to. The programme will be staged at 8pm on October 9 and 10 (Friday and Saturday) as well as at 3pm on October 11 (Sunday) at the Theatre of Hong Kong City Hall. Ticket prices are $180 and $240. The performance contains adult content.

“Vanitas Libellum” by La Quinta del Lobo from Colombia is a multimedia performance that explores the concept of time and the form in which we perceive it. It consists of three acts: “Hourglasses”, “City in motion” and “Change of state”. Through illusionary visual effects and primitive body movements, it reflects the different visions, dreams and nightmares that humankind experiences in the passing of time. To enhance the impact, interactive technologies, real-time motion tracking, giant projection and original live music are used. The group was established in 2010 and since then has been working on “Vanitas Libellum”, which premiered in 2012. The work has been staged in Colombia, Brazil and Peru. The programme will be staged at 8pm on October 23 and 24 (Friday and Saturday) as well as at 3pm on October 25 (Sunday) at the Theatre of Sai Wan Ho Civic Centre. Ticket prices are $220 and $280. This performance contains nudity scenes.

Tickets are now available at URBTIX. Half-price tickets are available for senior citizens aged 60 or above, people with disabilities and their minders, full-time students and Comprehensive Social Security Assistance (CSSA) recipients (limited tickets for CSSA recipients are available on a first-come, first-served basis). Please refer to the website or the programme leaflet for package or group booking discount schemes.

For programme enquiries, please call 2268 7323, or visitwww.lcsd.gov.hk/CE/CulturalService/Programme/en/multi_arts/group_80.html. For credit card telephone bookings, please call 2111 5999. For Internet bookings, please visit www.urbtix.hk.

 

 

Vanitas Libellum by Cesar Giraldo

Pilar Hernández

Vanitas Libellum, by the ensemble La quinta del lobo (Wolf Interval), is an astounding performance of electronic still-lives, typewriter, guitar and piano that sets in motion a beautiful if somewhat macabre dance. It is a mesmerizing history of memento mori, a treatise about time on the making. The play might not be suitable for neurotics, though. Mr. Giraldo-Angel on the guitar and Mr. Gallo on the piano and keyboards play mercilessly with the emotions of the public. They press and tear open our chest to a series of nostalgic images built through video mapping and various interactive interfaces. Ms. Gil-Vrolijk  paints the stage with a delicate and painstakingly detailed allegories framing, projecting and echoing Ms. Hernandez as she enacts the dynamic fluidity of clock-watch precision, the reverberating fatigue of organic flow and the sensual cadence of dying. In this way, the play becomes a dense reflection, or perhaps rather, an amusing refraction on the instrumentalization of the arts. Virtuality evokes a reminiscence of the contagious feeling of bones, tendons and muscles vibrating at the tempo of the strings, vibrating unaided in the air and light. Yet amidst echoes of the impending death of movement resonates life, pullulating noisy life, gardened by an exquisitely polished production. But, this, as well, will pass. 

Teatro Multimedia en el Iberoamericano

http://www.eltiempo.com/lecturas-dominicales/ARTICULO-WEB-NEW_NOTA_INTERIOR-13770695.html

LuisaSm[1]

Las nuevas tecnologías, se convierten en un actor más del teatro. En el FITB se verán ejemplos.

Vivimos la era de lo interdisciplinario, lo participativo y lo multimedia. Y el teatro como arte viva no está al margen. Cada vez es más común ver proyecciones audiovisuales en los montajes teatrales, escuchar de ‘ciberobras’ o ver propuestas en las que se mezcla la acción teatral con el cine en el escenario.

“Cuando el teatro y la tecnología se encuentran, las posibilidades son infinitas”, dicen abanderados de esta tendencia, como el grupo Pop Up Theatrics de Nueva York, que presentó una obra por Skype con 30 actores distribuidos en cinco continentes y que refleja la búsqueda de hacer teatro a larga distancia.

Igual hizo el colombiano William Guevara, quien presentó Shakespeare urbano, una obra a través de YouTube, en la que se interpretaban fragmentos del dramaturgo inglés.

Según el profesor británico Steve Nixon, autor del libro Digital Performance, hay que considerar “los cuerpos virtuales, avatares, los dobles digitales, así como las actuaciones de artistas como Stelarc, Robert Lepage, Merce Cunningham, Laurie Anderson, Blast Theory, y Eduardo Kac”, precursores de este tipo de puestas en escena.

Las exploraciones son amplias y en todos los rincones del mundo. En México, por ejemplo, el director Roger Bernat hizo una coreografía participativa de La consagración de la primavera en la que el público tenía audífonos y bailaba de acuerdo con las indicaciones del director; en el trabajo del canadiense Robert Lepage, que usó el ‘motion tracking’ en la obra El dragón azul, en la que una actriz real que se veía en el escenario era perseguida por una lluvia, creada de forma digital. La simbiosis no solo complementaba la historia sino que se convertía en una delicia para los ojos.

Otros como Amit Dori, de la Escuela de Teatro Visual de Jerusalén, van más allá y está haciendo teatro con robots, aunque él asegure que el uso de marionetas robóticas no desplazará nunca a los humanos en el teatro. Sin embargo, la forma más conocida es la que se refiere al mapping (proyecciones) en el escenario, al uso de internet o las que mezclan el cine con el teatro. Y de ese estilo son algunas de las obras que se presentarán en el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá y que les presentamos a continuación.

1. ‘Historia de amor’ en forma de cómic

Después de presentar la obra Gemelos en el Iberoamericano de Teatro del 2012, en la que exploraban el cine artesanal y construían bellas imágenes que compaginaban con excelentes actuaciones y un texto profundo, en esta oportunidad el grupo chileno Teatro Cinema vuelve a Bogotá con otro montaje que apuesta por el cine en el teatro.

Historia de amor, basada en la novela homónima de Régis Jauffret, trata sobre la línea difusa entre razón y locura, y permite ver la solidez del lenguaje cinematográfico-teatral de este grupo en una pieza en la que presentan proyecciones en blanco y negro que recuerdan las historietas de cómic.

“Nos interesa en la narración y la puesta en escena la posibilidad del actor de viajar en el tiempo y en el espacio, igual a como se hace en la literatura y en el cine, donde tú cambias la página o de plano y ya estás en el otro lugar, pero en el teatro es más difícil, porque uno tiene que explicarlo todo, entonces nosotros queremos generar la ilusión de que el actor está y no está y que nos podemos trasladar 50 o 100 años de forma instantánea”, había dicho el director de Teatro Cinema, Juan Carlos Zagal, en entrevista con EL TIEMPO.

Para lograrlo tienen usualmente una pantalla delantera y otra en el fondo. Entre ellas, se da la actuación, lo que convierte sus obras en lo que han llamado un “teatro película”.

“Al jugar con perspectivas y planos reales de los actores, la gente no sabe dónde está el actor y entonces nosotros comenzamos a ser magos”, explicaba Zagal.

2. ‘Partir’

La compañía WHS se define como de teatro visual y circo contemporáneo y es precisamente esa mezcla lo que muestra en Partir, una obra en la que la ilusión visual está al servicio de la historia y se inspira en las películas de Michelangelo Antonioni.

Dirigida por el artista y mago finlandés Kalle Nio, tiene una atmósfera de misterio y tragedia, aborda la historia de una pareja que se ha distanciado y, como indica la compañía, “parecen flotar entre imágenes de sueños”.

La puesta en escena, que también incluye danza, muestra a los actores en medio de una urna de cristal y los pone a interactuar con objetos que parecen tener vida propia. Partir se pregunta “si es posible hacer frente a otra persona una y otra vez como un extraño”.

3. ‘Vanitas’

Vanitas libellum o El libro de vanidades es una puesta en escena multimedia que reflexiona sobre “el concepto del tiempo y la forma en que lo percibimos”.

Creada por la compañía colombiana La Quinta del Lobo, presenta proyecciones audiovisuales en tiempo real, video mapping, movimientos de danza y música en vivo.

Vanitas está dividida en tres momentos: clepsidras, kinopolis y metanamorphoses y explora los “sueños y pesadillas que nos produce nuestro pasado”.

El grupo está integrado por siete artistas entre músicos, bailarines y expertos en artes electrónicas, y surgieron en 2010, tras un proyecto de creación apoyado por la Vicerrectoría de Investigación y la Facultad de Artes y Humanidades de la Universidad de los Andes.

La obra se ha presentado con éxito en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y en Perú, durante el Festival Fusiones Contemporáneas.

4. ‘Solos’ y ‘Ubú’

También en Ubú y la comisión de la verdad, de la Handspring Puppet Company, de Sudáfrica, se integran elementos de mapping, como si fueran dibujos o grafitis que terminan por complementar la escenografía.

Lo mismo ocurre con Solos, del afamado Wajdi Mouawad, que presenta proyecciones de video que permiten ver lo que piensa el personaje y sirven también para llevarnos por sus recuerdos y su pasado.

Catalina Oquendo B.
Cultura y Entretenimiento

La Quinta del Lobo en SoHo (uno de los 10 desnudos del Festival)

http://www.soho.com.co/vida-soho/articulo/los-10-desnudos-del-festival-iberoamericano-de-teatro-de-bogota-2014/33943

 

 

Vanitas Libellum
Compañía: La Quinta del Lobo, de Colombia
Género: multimedial
Presentaciones: del 13 y 14 de abril, en el Gilberto Alzate Avendaño, Cl. 10 n.° 3-18

Un proyecto inspirado en vanitas, el género pictórico que representaba por medio de símbolos la fragilidad y brevedad de la vida. La obra incluye danza, video en tiempo real, video-mapping, interacción física y música original en vivo.

LA REINVENCIÓN DEL FITB

LA REINVENCIÓN DEL FITB

Sáb 5, Abr 2014
Por:
Mauricio Arévalo Arbeláez / @marevalo53

 

El Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá trae en esta edición cuarenta obras internacionales de 26 países diferentes y le abre espacios a treinta compañías colombianas. La programación llama la atención por su gran oferta de obras nacionales y, especialmente, por la apuesta arriesgada de otorgar un peso fuerte al teatro experimental y contemporáneo.

Tengo tres recuerdos de Fanny Mikey: el primero, el que más grabado está en mi memoria, es el de la cuña publicitaria de radio en la que mencionaba a uno de los patrocinadores pesados que tenía el festival en aquella época; el segundo, el del cierre del festival del 2008, en el que después del espectáculo pirotécnico que despedía el último festival que ella vería en vida, la multitudinaria audiencia empezó a clamar a gritos “se lució, Fanny se lució”; y el último, el que más me impresiona, el de su despedida: la Plaza de Bolívar rebosada de personas que querían honrar su memoria, su vida, sus nobles oficios… una imagen que mi corta memoria solo recuerda con otra figura, la de Jaime Garzón y su despedida, que tanto conmocionó (y que aún conmociona) a todo el país. Es curioso: nunca la vi sobre un escenario y, aun así, la recuerdo como una mujer de teatro.

No fui consciente de la forma en cómo Fanny habitaba en mi memoria hasta que fui a comprar las boletas para el XIV Festival de Teatro de Bogotá que hará de la capital un gran escenario teatral durante 16 días. En la pared trasera de la taquilla del Teatro Nacional Fanny Mikey, vi un retrato de la artista colombo-argentina. En posición bonachona, los ojos de Fanny se posan en cada espectador que se acerca a adquirir boletería. Su imagen se levanta en el teatro (que además recibe su nombre) como si hiciese parte de la iconografía católica: su figura se alza legendaria, casi mítica, como la protectora, la gran patrona del teatro en Colombia. Una imagen que armoniza con esos recuerdos que revivieron cuando vi el retrato: la mujer que, con magia y milagros, promovió la fiesta teatral que cada dos años reúne realizadores, espectadores y curiosos de todo el mundo.

Esa figura mítica, que lideraba uno de los eventos culturales más ambiciosos de Colombia, dejó un legado grande y una cuota difícil de colmar. Trazó, tal vez sin saberlo, los caminos que podían seguir los festivales posteriores. Es por esto que, si revisamos la selección de obras de este año, veremos que la fórmula que le ha garantizado el éxito a los repertorios anteriores, se repite en esta edición: obras de gran formato, espectáculos deslumbrantes, efectos especiales inimaginables y shows que dejan al espectador con la boca abierta. Eso parece gustarles a los bogotanos y hay que darle al público lo que pide. Por este motivo, llegan espectáculos como La consagración de la primavera, 8cho, La Veritá Las 7 vidas del gato. La primera está precedida por un dato muy taquillero: está dirigida por Shen Wei, el coreógrafo principal de la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Beijing; promete música, colores, luces y unas coreografías que juegan con el símbolo de lo plegable. La segunda está clasificada dentro de un formato que venderá por sí mismo: tango aéreo; 8cho fusiona la tradición del tango con lenguajes coreográficos nuevos mezclando milongas y valses. Finalmente, los dos últimos recurren a contorsionistas, equilibristas, acróbatas, malabaristas y, por supuesto, al cabaret, para ofrecer a todo tipo de público un espectáculo circense que cautivará a más de uno.

Otro de los terrenos seguros para el Festival, de esos caminos trazados por el legado de Fanny que mencionaba arriba, es el del teatro clásico, el de sala, quizá porque es el que el público bogotano está acostumbrado a ver y el que más se acerca a la idea de tradición teatral en nuestra ciudad. Por esta línea encontraremos obras como Bodas de sangre (Federico García Lorca), Medea (Eurípides), Tirano Banderas (Ramón María del Valle Inclán), La tempestad (William Shakespeare), El oso (Antón Chéjov), El caballero de Olmedo (Lope de Vega) y La Orestíada (Esquilo).

Sin embargo, Mikey tenía la esperanza, de seguro, de que su creación superara al creador y perdurara por encima de lo que perece. Que el Festival siguiera creciendo, siguiera innovando. Y eso es lo más admirable del Festival que se avecina: el teatro que llega es experimental, raro, incómodo, vanguardista; viene con la promesa de sacar al espectador bogotano de lo que está acostumbrado a ver, de obligarlo a enfrentarse a nuevas experiencias estéticas: de sacarlo de su zona cómoda para demostrarle que, como todo arte, el teatro es un juego de reinvención.

Basta con ver las categorías o los géneros dentro de los que han clasificado algunas obras del repertorio. Está, por ejemplo, la de “teatro multimedia”. En esta categoría destaca Historia de amor (Chile), en la que la ambientación y la escenografía son diseñadas a través de filmaciones y animaciones, fusionando el lenguaje teatral con el cinematográfico; además, dichas composiciones digitales convierten al lugar de la acción en una viñeta de cómic, trasladando la narrativa de la historieta a la dramática. Algo similar sucede con Vanitas Libellum (Colombia), en la que se recurre al video en tiempo real y al video mapping, y con Partir que juega con el lenguaje de las artes plásticas. De esta manera, el teatro se muestra como un género experimental en el que las fronteras con otros, como el cine, el cómic y las artes plásticas, se borran, poniendo en cuestión la “pureza” de la idea de género y evidenciando, por si quedaba alguna duda, que más que un arte, el teatro es un punto de convergencia para todas las artes.

Por este mismo camino va la categoría de “Teatro contemporáneo”. Si bien la palabra contemporáneo nos ubica en un momento, un tiempo actual, esta categoría se refiere también a una estética: la experimentación. Hay experimentación en las formas, las narrativas, los temas y las tramas, lo que nos conduce, de manera ineludible, a la experimentación en la recepción, las interpretaciones y los significados de las obras. En Solos, por ejemplo, un monólogo se convierte en diálogo y un actor hace dos personajes de forma simultánea. En esta obra con tinte autobiográfico, Wajdi Mouawad problematiza la fragmentación de los sujetos (esos otros que lo habitan) por medio de proyecciones de sí mismo que interactúan con él en escena. De esta manera, el artista libanés “se confiesa” y muestra los profundos conflictos de identidad que libra consigo mismo. Aquí, los videos y la interacción multimedia crean una ilusión a través de hologramas que logran, finalmente, romper la realidad para multiplicarla.

La lista de experimentaciones de este tipo continúa. Está Cineastas, que muestra el proceso creativo de cinco directores de cine dividiendo el escenario en dos franjas cuya acción dramática, aunque simultánea, es diferente; de esta manera, su director, Mariano Pensotti, nos divide también la realidad, esta vez entre los mundos de ficción y los mundos reales, una empresa profundamente quijotesca. La simultaneidad se repite en El jardín (de Brasil, país invitado de honor). En ella se escenifica el punto de vista y el poder transformador (o distorsionador) de la memoria. Leonardo Moreira nos presenta aquí una propuesta lúdica que busca un espectador activo: el público es quien construye la historia a partir de los retazos de la trama que se muestran en escena. Como si fuese el dramaturgo, la historia será escrita por aquel que la atestigua. Algo similar sucede con el montaje Apesta, del colombiano Víctor Quesada. En esta obra, el espectador recorre las habitaciones de una casa y se entromete en la vida de los personajes. A este público también le entregan una historia quebrada; a este público también le toca reconstruirla, recontarla, para entenderla.

La vanguardia (que, como vimos, el Festival bautizó como “lo contemporáneo”) invadirá incluso el terreno de lo tradicional con algunas de las obras que presenté como clásicas anteriormente. Pensemos en Medea, la tragedia griega de Eurípides, que, en manos de Tomaz Pandur y su nuevo lenguaje escénico, se convierte en un testimonio de las mujeres apátridas del siglo XXI: las exiliadas, las inmigrantes y las refugiadas; podemos hablar también del montaje de Declan Donellan de La tempestad, que inunda, literalmente, el escenario, para representar el naufragio que detona el drama shakesperiano; y qué decir de Bodas de sangre, montaje en el que la carga poética de la tragedia lorquiana se mezcla con los símbolos complejos del teatro coreano. De esta manera, lo contemporáneo les permite a los realizadores recontar los clásicos, llenarlos de nuevos significados y acercarlos a un público que se quedará perplejo ante todo lo que una obra de este corte le puede comunicar todavía.

Este Festival llega, entonces, arriesgado. Nos trae un repertorio en el que el teatro se muestra en todo su esplendor al evidenciar que es un arte que alberga todas las artes y que, como los grandes géneros literarios, se resiste, se rebela y le huye a la noción misma de género; un teatro que rompe el molde y supera la categoría. La fiesta que está comenzando es la primera evidencia de que el Festival empieza a recorrer un camino irreversible de reinvención. Un gesto plausible porque sigue manteniendo la idea original por la que Mikey tanto luchó: que el Festival fuera una ventana abierta al teatro del mundo y que nos sirviera de espejo para pensar, repensar, resignificar, disfrutar, valorar y, en últimas, seguir construyendo nuestra propia tradición teatral.

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Mauricio Arévalo - Escritor y director general de la Revista Artificio. Magíster en Literatura y Literato con Opción en Estudios Teatrales de la Universidad de los Andes, se ha desempeñado como profesor de español y literatura en la media vocacional. Ha trabajado como director en producciones teatrales de autores como Shakespeare, Molière, Tennesse Williams, Michael Ende y Alejandro Casona. Ha sido ponente en congresos y encuentros literarios en Brasil, Ecuador y Colombia, y sus ensayos han sido publicados en revistas académicas y estudiantiles. Actualmente, es catedrático de “Shakespeare en el cine” en la Universidad del Rosario y asesor literario de la Compañía Nacional de las Artes, para la cual escribió una adaptación de Los dos hidalgos de Verona de William Shakespeare.

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Conozca la diez obras vanguardistas que estarán en el Festival Iberoamericano de Teatro

Conozca la diez obras vanguardistas que estarán en el Festival Iberoamericano de Teatro

Brasil será el invitado especial de la XIV edición del Festival Iberoamericano que se celebrará del 4 al 20 de abril en Bogotá.

Elpais.com.co | Archivo Colprensa

El Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, Fitb, que se celebrará en abril próximo, tendrá diez obras vanguardistas que privilegian el uso del video y la multimedia al igual que las temáticas que giran en torno a conflictos, la inmigración y la paz, informaron hoy los organizadores.

El teatro de vanguardia es una “apuesta a la innovación” a través de obras que “despiertan los sentidos” y permiten a los espectadores “parpadear y ver cosas diferentes, llevando el teatro al límite” , explicó a Efe Víctor Quesada, miembro del Comité de Selección del Festival.

La 14 edición del Festival Iberoamericano se celebrará del 4 al 20 de abril próximo con la participación de compañías de 25 países, y con Brasil como invitado especial.

Entre los directores que vendrán al país con la muestra están el libanés Wajdi Mouawad, el argentino Mariano Pensotti y el aclamado animador sudafricano William Kentridge.

Además, estarán compañías como el colectivo Utvalgte de Noruega, la finlandesa WHS y la Handspring Puppet Company, reconocida como la mejor agrupación titiritera del mundo.

“La idea era poder encontrar una muestra que representara la vanguardia desde la dramaturgia, la puesta en escena y el uso del multimedia” , agregó Quesada, que también es director en el festival de las obras “Apesta” y “Voz” , ambas con boletaría agotada.

“Apesta” , inspirada en la obra de Agatha Christie y Alfred Hitchcock, se erige como una crítica a la pérdida de identidad de los inmigrantes, al individualismo y la soledad.

La obra “más esperada” del Festival es “Ubú y la comisión de la verdad” , única muestra de Sudáfrica, que en un ingenioso montaje del Handspring Puppet Company combina tÍteres, actuación en vivo, música, animación y documental.

La obra se sitúa en las audiencias de la Comisión para la Verdad y la Reconciliación de Sudáfrica, con lo que se buscará brindar una perspectiva artística de la actualidad nacional y del proceso de paz por el que atraviesa Colombia.

Siguiendo esta misma línea está la pieza “Los incontados” , última obra de la trilogía “Anatomía de la violencia en Colombia” , de la compañía Mapa Teatro, en la que se explorará cómo la violencia política ha afectado a la sociedad del país.

Así mismo, “Arimbato, el camino del árbol” , una producción del Teatro Varasanta junto con La Barracuda Carmela + La Cía Balagan (Brasil) , reconstruirá la historia del pueblo indÍgena colombiano Embera-KatÍo que a finales de los años 90 se vio afectado por el conflicto armado.

“Esta es una versión (del Festival) que le apuesta a la coyuntura del país pues es importante que no se olvide que lo que hacemos como artistas tiene que ver con lo que pasa en nuestro contexto” , explicó Quiroga.

El Festival incluye también “Cineastas” , una pieza del joven director bonaerense Pensotti, que explora una faceta de la compleja relación que existe entre la realidad y la ficción.

El escenario, dividido horizontalmente en dos, contrasta sucesos que se dan al mismo tiempo: unos en la vida real y otros en las ficciones cinematográficas.

Por su parte, la finlandesa WHS presentará “Partir” , que recrea un ambiente misterioso en el cual se alternan el humor absurdo y la tragedia en una experiencia que funde circo, magia, danza y diversas técnicas de las artes visuales.

El monólogo “Solos” , escrito, dirigido y protagonizado por el libanés Mouawad, que obtuvo nominación al Premio Oscar como Mejor Película Extranjera por el filme Incendios (2011) , es para Quiroga la “sorpresa” del Festival.

Quiroga aseguró a Efe que uno de los montajes más vanguardistas en cuanto al uso de la multimedia en el escenario es “Historia de amor” , del Teatro Cinema de Chile, basada en la novela homónima del francés Régis Jauffret, que hace una mezcla “increÍble” entre el vÍdeo, la animación y el cómic.

Cerrando la muestra están las piezas “B chner, la herida” , de la colombiana Teatro Occidente, y “Vanitas Libellum” , del grupo La Quinta del Lobo, que ofrecerán una experiencia “revolucionaria” con montajes multimedia que integran danza, vÍdeo en tiempo real, “video-mapping” , interacción física y música original en vivo.

Vanitas Libellum en la Alzate Avendaño – miércoles 17 de Abril

Estuvimos a punto de cancelar nuestra función de este Miércoles 17 de Abril, casi no nos prestan el piano porque según políticas de la institución está reservado unicamente a “concertistas” (…?)

Sin embargo, después de unas letras, un poco de ruido en redes sociales y otro poco de burocracia lo logramos, estaremos en el Auditorio de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño a las 8.00 PM

LA ENTRADA ES LIBRE, así que esperamos su compañía y apoyo.

El arte,  los instrumentos y los espacios deben ser para todos, sobre todo cuando una institución recibe dineros del estado.

 

Vanitas Libellum en Bogotá, Domingo 30 de Septiembre

Este Domingo 30 de Septiembre a las 5pm

Unica función de Vanitas Libellum*

Auditorio de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño

Calle 10 No 3-16

ENTRADA LIBRE (cupo limitado)

*presentación posible gracias al apoyo de la Vicerectoría de Investigación y la Facultad de Artes y Humanidades de la Universidad de los Andes.